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ENTREVISTA CON KAREN HUBER

Por Catalina Restrepo L.

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"Busco también que las propuestas sean muy originales dentro del formato pictórico y al mismo tiempo, que sea un artista que tenga el potencial para ser reseñado o reconocido por la institución, si no es que ya lo es"


Catalina Restrepo: Una de las cosas que más admiro de tu trabajo es el nivel de compromiso con los artistas al hacer la tarea de ir a visitarlos a sus estudios y descubrir lo que están haciendo, no te quedas con lo que se está mostrando o con los de siempre. En ese sentido, me gustaría empezar la entrevista preguntándote: Cuando empezaste con tu proyecto antecesor White Spider, mostrabas un abanico muy amplio de artistas que proponían su obra desde muchos formatos y líneas. ¿Cómo decidiste enfocarte específicamente en pintura al empezar con el proyecto de galería? Sobre todo, este tipo de pintura no tan convencional


Karen Huber: Pues en realidad, justo cuando empecé con White Spider, la idea y la forma orgánica era empezar, era empaparme y conocer a los miles de artistas con lo que llegue a trabajar. Ahí obviamente se me amplió al muchísimo el panorama con respecto a formatos con lo que estaban trabajando. Para mí fue desde un inicio muy evidente que la pintura me jalaba y me emocionaba de muy diferentes maneras, en comparación a otros formatos u otras disciplinas. Cuando empezaron los planes de la galería, ahí quise cerrar un poquito más el filtro para ahora dedicarme específicamente a la pintura. Podríamos decir que el primer año o los primeros dos, esa exploración continuaba. La cuestión sobre qué estamos hablando cuando hablamos de pintura. Todavía hace 3 años, esta parte de la pintura estaba todavía muy confusa y deambulaba entre lo ordinario y lo nuevo.


La pintura siempre me ha encantado, tiene una capacidad de emocionarme desde lo olfativo: el óleo, los acrílicos, hasta los trazos en la manufactura, que algunas veces puede ser muy visible y a veces no. También el discurso de lo pictórico o el cómo se hace.


Entonces, White Spider fue muy amplio, al tener galería dije “quitémonos de nombres vamos a asar mi nombre y vamos a irnos por esta línea” y así, fue una manera de cerrar el campo un poquito más.


CR: Hay un caso en particular que me emociona mucho en los artistas que has representado desde el inicio de la galería que es Manuel Solano, el cual yo por lo menos conocí por ti y hoy en día es uno de los artistas que más reconocimiento internacional están teniendo, siendo uno de los artistas más comentados de la pasada Trienal del New Museum. Cuéntanos un poco sobre cómo se conocieron y cómo has visto su crecimiento.


KH: La primera exposición que hizo Manuel Solano, su primer solo show fue en el verano de 2015. Lo llegué a conocer por mi relación con el curador Octavio Avendaño Octavio, quien sigue siendo gran amigo. En un principio empezó a hablarme de muchos otros artistas que estaban haciendo cosas interesantes y de ahí salió el nombre de Manuel Solano; finalmente lo fui a conocer a su estudio y no fue sino hasta ese momento que vi todo lo que era. Yo no sabía que que era ciego, ni que tenía VIH, no sabía nada de su historia. Confío mucho en las personas con las que trabajo, cuando fui me llevé una gran sorpresa al toparme con su trabajo, en ese momento me mostró trabajo del 2012, algunos lienzos muy muy primerizos y vimos en su mayoría los papeles de la serie Blind, Transgender with Aids, la serie que hizo cuando quedó ciego y de eso mismo justamente se trató la exposición, del encuentro que tuvo con esa manera de pintar y que al principio no quería hacerlo. Fue a través de un amigo quien le aconsejó que pintara con lo que tenía: las manos, el papel kraft que tenía su casa y con toda esta información - entre ironía, enojo y comedia, - un rasgo muy característico de Manuel Solano, desde un inicio hasta el día de hoy- hicimos la exposición de toda la serie Blind, Transgender with Aids. Hicimos una conferencia de prensa muy concurrida y poco a poco entre ambos esfuerzos: artista y galerista, los curadores empezaron a visitar la exposición.


Con Manuel siempre hemos trabajado un proyecto muy sólido cada vez que inaugura una exposición, incluso ahora que estamos hasta trabajando de otra manera. Ahora él está exhibiendo también con otras galerías internacionales y nuestros plan ahora es que vamos a funcionar por proyecto. Aún no sabemos muy bien qué vamos a hacer o qué es lo que sigue.


Zona MACO fue un gran impulso, incluso antes de la Trienal. Varios curadores lo conocieron gracias a la invitación que Daniel Garza Usabiaga nos hizo para participar con un solo show en Zona MACO sur. Ese fue un gran escaparate, de ahí salieron residencias por ejemplo van dos o tres veces que hace un residencia en Portland en el PICA y de ahí, ha conseguido cada vez más proyecciones, más curadores, incluso los encargados de curar la trienal del New Museum lo fueron a ver a una exposición en bikini wax.


En este punto en el que estalló la carrera de Manuel, sobre todo en el ámbito internacional, fue muy claro. Es un artista que ha sido muy contundente y muy coherente desde un inicio,siempre ha cuidado mucho su trabajo se puede ver en el cómo se ha desarrollado su pintura. Pasar de pintar con las manos y sin mucho detalle, al realismo que poco a poco ha ido perfeccionando es admirable. Cada ejercicio y cada exposición, ha sido una forma más para sentirse más cómodo pero sí encontrar una técnica que termina siendo espectacular por lo que vemos: Pinturas mucho más figurativas e impresionantes, desde la mezcla de colores hasta la temática y todo lo demás.


CR: Es para ti también un caso de éxito no?


KH: Claro 100%, de hecho con todos los artistas trato de que pase eso: que alguien de afuera lo vea, lo incluya en algo internacional, que llegue la prensa, que se entere todo el mundo, que visiten en el Museo. Sí, eso es lo que esperamos para el todos de los artistas de alguna u otra manera


CR: Alguna vez, me comentabas que una parte importante del trabajo que haces en la galería consiste en ayudar a los artistas a aplicar a oportunidades y apoyabas desde la galería ese aspecto que no es estrictamente comercial. ¿Qué tanto crees que esto pueda ser determinante para el éxito que tiene Karen Huber como galería?


KH: Sí es clave. Yo pienso que hay varias maneras de llegar a ser un artista internacional reconocido. Una manera puede ser desde lo comercial, pero existe una parte bien importante que es la parte académica e institucional. Hay artistas que llegan a eso sólo a la venta y esto no los lleva necesariamente a ser reconocidos en los museos, por los curadores o la institución.


Lo que hacemos es tratar de empatar las residencias y oportunidades con el trabajo de los artistas; procuramos que apliquen para que ellos mismo puedan trascender en otros en otros lugares, consiguiendo las oportunidades que las instituciones les pueden ofrecer. Hoy por ejemplo fue una gran satisfacción porque le dieron la beca de jóvenes creadores de FONCA a Ana Segovia. Nuestro papel como galería también es mostrarles a los artistas que necesitan una beca un reconocimiento internacional que pueda darles mucho más experiencia curricular que las ferias en las que participen.


"La manufactura, así sea primerizo, tiene que dar señales de que se va a poner muy bien. Además, otro aspecto importante es que en su propuesta hable de la pintura pero desde una forma distinta, porque a pesar de que hablamos de la pintura, el artista de la galería debe hacerlo desde otro ángulo."

CR: ¿Qué debe tener un artista, un pintor para llamar tu atención y que eventualmente quieras representarlo en tu galería?


KH: Hay varios factores que al final cuentan, por un lado obviamente me tiene que encantar, me tiene que sorprender; y por el otro, que su trabajo sea de calidad. La manufactura, así sea primerizo, tiene que dar señales de que se va a poner muy bien. Además, otro aspecto importante es que en su propuesta hable de la pintura pero desde una forma distinta, porque a pesar de que hablamos de la pintura, el artista de la galería debe hacerlo desde otro ángulo.



Muchos de los artistas que represento, hablan de la pintura como tal - por ejemplo Ana Segovia, Endy Hupperich o Rafael Uriegas- pero cada uno desde un lugar muy distinto.


No busco que tengan que ver uno con el otro tal vez, pero sí que juntos funcionen muy bien. Cada quien con diferentes temáticas y técnicas pero en la galería se tiene la intención de que la selección de artistas sea como un abanico, que cada uno sea cada como un palito que al final se integra a un todo, pero que sus trabajos se representan por sí mismos. Busco también que las propuestas sean muy originales dentro del formato pictórico y al mismo tiempo, que sea un artista que tenga el potencial para ser reseñado o reconocido por la institución, si no es que ya lo es. Para mí, es muy importante que haya exhibido con curadores y en museos o que tengan el potencial para hacerlo. Esto es crucial para mí, quizás no llegue a trabajar con un artista que no reúna estos puntos.


CR: Gracias a la fuerza y las batallas que han ganado últimamente las mujeres en muchos campos profesionales, muchas artistas y en especial pintoras, han logrado tener el reconocimiento que la historia les debía como es el caso de Hilma Af Klint. ¿Cómo percibes este fenómeno? ¿Cómo te imaginas, teniendo en cuenta esa mayor representación femenina por la que se lucha, el futuro del arte y del formato de la pintura?


KH: Es una muy buena pregunta. Pues creo que ahora está cambiando. Hasta hace poco cuando como galería o proyecto curatorial querías invitar a ser parte a más mujeres, te dabas cuenta de que inevitablemente predominaban los hombres. Por más de que querías no se podía y justo ahora una de las cosas que vemos - por ejemplo en los recientes resultados de la beca FONCA- es que fueron elegidas muchas más mujeres que hombres. Por otra parte, siento que las mismas mujeres se están empoderando y dedicando a la pintura como tal, a ser artistas a tener una carrera mucho más seria.

Tal vez había muchas mujeres que se limitaban al saber que más adelante se iban a embarazar y tal vez no iban a tener una carrera como la que querían y como en todo ámbito laboral, esos sueños empiezan a decaer, pero la verdad, es que creo que vienen tiempos muy interesantes, propuestas que van a ser incluso un tanto políticas.


Me imagino que puede haber una explosión de la pintura a partir del género, que ya lo veo con artistas con las que trabajó como Ana Segovia - que habla de estas tensiones sexuales de ambos géneros o de géneros que están ahí, tratando de existir sin ser una cosa o la otra- creo que va a haber una explosión desde la cultura pop, hasta de tema de igualdad laboral que espero podamos ver a través a través, justamente, de la pintura. Pero ¡hay que ver! vienen unos momentos muy políticos en cuanto al arte.


CR: ¿Crees que así como la pintura respondió dando un volantazo y alejándose diametralmente al realismo absoluto que brindó la fotografía a finales de 1800 con el impresionismo, hoy la pintura esté respondiendo de una manera similar al hiperrealismo digital que vemos hoy en día, cada vez más en las prácticas artísticas como por ejemplo realidad virtual, animaciones digitales 3D y video mapping, por nombrar algunas?


KH: Sin duda creo que la pintura está reaccionando ante eso. Incluso quizá, en algunos casos me atrevería decir que revelándose contra la materia propia, para romperla desde lo digital, así como lo escultórico.


Lo digital ha estado por ahí tramándose desde hace un tiempo. Hay artistas que hacen pintura a través del video, me puedo imaginar la pintura postcontemporanea viviendo en un video, también creo que se puede hablar de la pintura a través de la escultura. Creo que la pintura como tal va más allá de la materia, la percibo más como como discurso o como rasgos pictóricos en diferentes formatos sin importar si estos son digitales o escultóricos. Hay artistas pintores que más allá del Arts & Crafts, podrían hacer cerámica que intervienen pero desde un formato que se aleje de la funcionalidad.


De cualquier forma, creo que más allá de términos como lo digital, los formatos o en las disciplinas, vamos a poder referirnos a la pintura sin necesidad de hablar del pincel o los materiales como el óleo y acrílico, etcétera.


CR: En 1978 se hizo en el New Museum una exposición que se llamó “Bad Painting” cuya selección de obra se percibe sumamente actual. Marcia Tucker, la curadora, se refería a los artistas participantes como aquellos que “conscientemente rechazan los conceptos tradicionales de dibujo a favor de los estilos personales de figuración”. ¿Crees que este sea un estilo que está reviviendo? O por el contrario ¿Crees que siempre ha estado ahí y tal vez no ha tenido suficiente fuerza o ha sido opacado, pero que hoy se reivindica?


KH: Sí, yo creo que es algo que siempre ha estado ahí y que hoy se le ha puesto más el dedo en el renglón. Se observa una pintura que busca romper. En esta exposición que mencionas, todo se ve completamente contemporáneo y la estaban inaugurando en ese entonces, lo que demuestra que siempre ha estado presente. Existieron muchos artistas de nicho, después vino el arte conceptual y la pintura como que se dejó atrás y ahora otra vez, como que se le ha puesto mucha atención.

Por lo que vemos en las diferentes ferias que vamos como Material o NADA, se percibe la pintura como un medio un poco más en irreverente, de técnicas no necesariamente flojas o menos complejas, pero sí menos prolijas. De todas formas, la historia se está escribiendo lo que hace muy difícil suponer, pero sí creo que parte del comeback actual de la pintura, tiene que ver con que se ésta de está relajando un poquito y se está incluso anexando al aspecto de la pintura que se aleja de lo espectacular y de la realización extraordinaria.

Tras haber pasado por un periodo muy conceptual, es inevitable que hoy la pintura lo sigo siendo pero ya mezclando perfectamente el discurso con la técnica. Sin embargo, todavía hay mucho por explorar.


CR: En una entrevista, Hans Ulrich Obrist habla de aquello que hace que la pintura sea un medio "urgente" hoy. ¿Qué sería para ti?


KH: Yo creo que la pintura siempre ha existido, no va a desaparecer, aunque creo que ahora estamos en otro lugar. En los noventas y dosmiles, cuando se podría decir que no había casi pintura (en comparación a otros formatos) se entendía como casi olvidarla; entonces, de repente pensar algo así como “¡Ay! está resurgiendo” no me parece correcto. Nunca resurgió, ¡siempre estuvo! no podemos hablar del arte sin pensar en la pintura.

Podría decir, que creo que dentro de la pintura están pasando muchas cosas que incluso los mismos curadores y la institución están tratando de descifrar. Es algo que se está cuestionando. Me parece que hoy en día a lo que hay que hacer es entrarle a la pintura, sin duda, por todas estas nuevas vertientes, formatos y discursos que están surgiendo de este formato, tal vez esa sería la urgencia que yo vería.



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