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ENTREVISTA CON NICK CAVE para LARMAGAZINE.027 Figura Humana

June 23, 2019

 

Publicada en LARMAGAZINE.027 Figura Humana / April-May 2017

 

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Photography James Prinz Photography. Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York

 

Catalina Restrepo: En algunas entrevistas, cuando hablas de los SoundSuits te refieres a ellos como una especie de escudo que oculta raza, género y clase. Sin embargo, la esencia de la figura humana y sus movimientos no están totalmente ausentes; de hecho, resaltan como lugares surreales o psicodélicos. ¿Cómo te aproximas a la figura humana, más allá de etiquetas que se le atribuyen social o políticamente?


Nick Cave: No es algo que venga de algún lugar en particular. Mi investigación inició con el incidente de Rodney King en 1992, los disturbios en Los Ángeles, y fue ahí cuando decidí hacer la pieza. Esta obra escultural se convirtió en algo para llevar puesto, y a través de ella me encontré a mí mismo buscando formas de cubrir y blindar mi espíritu para trabajar en tiempos muy perturbadores y agresivos para la sociedad. Pero observo todo tipo de cosas: los artefactos haitianos, los textiles, una tribu africana, el Carnaval; para mí son puntos de referencia. Entonces los SoundSuits como objetos no solo vienen de un lugar en particular, en realidad son una combinación, una especie de vestimentas colectivas y usables que se utilizan en rituales de organización y performances para hablar de un gran espectro de prácticas y creencias.


CR: Actualmente, Estados Unidos y el mundo entero están revelando un intenso racismo, y sé que tienes una posición muy fuerte sobre este tema. Como víctima de acoso policiaco describes tu obra como una forma de lidiar con la ira. Y también, aunque tus piezas son coloridas y divertidas, en realidad vienen de un lugar muy oscuro. Cuéntanos un poco al respecto.


NC: Como parte de una minoría pienso que es desafortunado tener que moverme por el mundo con un grado de consciencia y percepción. Cuando escucho en las noticias sobre Trayvon Martin, Freddie Grey, Eric Garder, Sandra Bland, Christian Taylor, Sean Bell, Michael Brown —estos individuos, estas minorías que han sido asesinadas estando desarmadas, no hay motivos para estos actos—, ni siquiera me siento seguro en la privacidad de mi propia casa, y sin duda no me siento seguro afuera. Y al mismo tiempo, estoy rodeado por una comunidad.
 

Parte del mundo ni siquiera lo considera un problema, el hecho de que estas cosas sucedan, o actúan como si pasaran en otra parte de la comunidad, por lo que hay una separación. Podría estar cenando con mis amigos y sentirme consternado o triste por los actos más recientes de abuso policiaco, y aun así nunca sería parte de la conversación.

 

Parte del mundo en que vivimos sigue mirando hacia adelante, y otra parte del mundo es torturada y reprimida por esta ansiedad híbrida, esta destrucción denigrante. Nos encontramos divididos entre estos dos lugares, y sin embargo al mismo tiempo operamos como si hubiera lugar para el optimismo y esperanza. Tengo que ser proactivo, tengo que ser la voz de los que no son escuchados y hacer que este trabajo llegue a las comunidades que le dan la espalda.Tengo que pensar en una forma alternativa de presentar o desarrollar la obra para que alcance a otra persona, y debo pensar en cómo te puedo atraer a la obra y luego llevarte a este viaje en proceso. Por eso estoy pensando en estrategias y métodos para llevar este trabajo a los lugares que pienso que debe confrontar.

 

CR: Identifico dos referencias muy interesantes: primero, algunas danzas africanas, en especial la que se realiza con máscaras en el pueblo Winiama de Ouri, en Burkina Faso central, o los danzantes Kempo en Diegone, Senegal; la otra son los disfraces usados por los hombres durante los festivales paganos en Europa, algunos muy bien retratados por el fotógrafo Charles Fréger. Me parece muy interesante que estas dos culturas aparentemente distantes se combinen de una manera tan hermosa. ¿Qué opinas sobre esto?

 

NC: Bueno, como mencioné antes, creo que el proyecto es un conjunto de obras con una presentación verdaderamente multicultural, y que no solo tiene sensibilidad occidental. Pero como habitante del mundo estoy abierto a lo que absorbo y eso lo combino con mi historia, mis conocimientos y mi experiencia. Cuando estoy en Senegal trabajando en mis proyectos también me intereso por las ceremonias de las comunidades rurales, que son parte de festivales, y en comprender cómo es que la representación de los rituales es parte de la identidad cultural. Cuando estoy en el Carnaval es importante sentirme intrigado como un espectador que absorbe la experiencia. Y luego, ¿cómo es que eso retroalimenta mi propia práctica? O cuando estoy en Paris en un show de moda, ¿cómo es que los elementos y la construcción de una superficie o tela se aplican a mi propia práctica?


Estar en el mundo también es investigación. ¿Cómo estoy investigando en el mundo? ¿Cómo lo estoy usando para expandir mi plataforma? Vuelve universal el trabajo; hace que no exista dentro de una cultura sino que sea multicultural, con sus conexiones y referencias.

 

Photography James Prinz Photography. Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York

 

CR: En una de tus entrevistas contaste la historia de uno de los SoundSuits. Cada uno está hecho de objetos de de uso cotidiano. ¿Existe una historia rutinaria detrás de cada uno?

 

NC: Pues pienso que el objeto rutinario en realidad soy yo tomando una decisión consciente de ver los materiales desechados. En un mundo donde hay tanto exceso y excedente allá afuera, la basura de un hombre es el tesoro de otro. Me interesa esa dualidad—el cómo vemos los excesos y cómo podemos implementarlos para renegociar la manera en que usamos materiales; tomar algo fuera de contexto y volverlo nuevo para que podamos verlo de forma diferente, honrarlo de forma diferente. Es algo que resuena, es una renovación de este tipo de materiales. Me interesa este intercambio de información, este cambio en la manera de leer o ver las cosas.

 

Cuando crecí mi familia no tenía mucho, pero eso no significaba que no podía ser creativo con lo que me rodeaba. Puedes hacer algo extraordinario de la nada y me encantaba ese principio, esa práctica.

 

CR: Otra cosa que me recuerda tu trabajo son los nidos que hacen algunos pájaros, donde reúnen objetos. Hay algunas aves, como los cuervos, que incluso recogen cosas brillantes para decorarlos. ¿Piensas que de alguna forma los objetos se vuelven parte de nosotros? ¿De dónde viene tu interés en recolectar objetos?

 

NC: Pienso que coleccionamos cosas porque nos interesa aferrarnos a los recuerdos. Hay cierta nostalgia que es parte de nuestro ADN y de cómo construimos nuestra identidad. Coleccionamos cosas porque las necesitamos a nuestro alrededor y nos ayudan a identificarnos como personas. Coleccionamos en términos del contenido material, ya sabes, cosas artesanales que caben en la mano; eso tiene cierta comodidad. En realidad se trata de las cosas con las que decidimos vivir. ¿Y por qué decidimos vivir con las cosas que tenemos? Se trata de crear o construir ese espacio sagrado. ¿Qué necesitamos en nuestras vidas para crear un espacio sagrado? Es el motivo de todos esos artefactos y cosas personales. Y sí, es igual que ese pájaro que encuentra su carga y adorna su nido completamente. Esa elevación, esa sofisticación, es una atracción. Es igual para nosotros, abrimos nuestras puertas y entramos en todo lo que creemos.

Photography James Prinz Photography. Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York 

 

CR: En tu documental AS IS, 2016, dirigido por Evan Falbaum, es evidente que tus prácticas en danza y artes visuales son parte de la misma cosa. ¿Cómo concibes tu obra en relación a estas dos disciplinas?

 

NC: Bueno, creo que necesito las dos. Está este espacio que básicamente es un laboratorio de ideas, el espacio de creación, un espacio creativo, una laptop, el estudio—el lugar en donde construyes las ideas. Una vez creado, ¿cómo lo colocamos en el mundo? Soy un mensajero que lleva estos temas. En este momento estamos creando los mensajes en el estudio, y luego los llevaremos al mundo; les encanta poder existir y operar por su cuenta. Entonces, ¿cómo hacemos que estas obras en las instituciones que viven dentro del mundo creativo lleguen al mundo global? ¿Cuáles son los foros que se convierten en satélites y llegan a una comunidad más amplia? Uno se alimenta del otro. No puedes tener a uno sin el otro.

 

El objeto siempre es el provocador en mi obra. Soy yo viendo algo que detona una idea. Ese siempre ha sido el motivador, algo que encuentro, mi estimulador o instigador pensando en términos de sus opciones: ¿cómo se puede usar? Me interesa la dualidad—cuando algo parece ser una cosa, y cuando se voltea puede ofrecer una lectura diferente, una respuesta. En realidad el instigador es el objeto. Todo está en el material y el lenguaje.

 

CR: En ese documental es evidente la importancia que le das a los ensayos de danza, lo cual es curioso porque al final ni los cuerpos ni los ensayos se ven. También hablas del arte como un proceso transformativo por lo que, de alguna forma, el resultado final proviene de ellos y de sus movimientos a través de sus disfraces. ¿Crees que los ensayos representan la fuerza transformadora, y el resultado es la pieza final?

 

NC: Es interesante porque ahora, con esta obra, estoy aprendiendo que al trabajar con intérpretes y bailarines el proceso se vuelve una parte muy meticulosa del performance. Ni siquiera sé si hay un performance. No sé si todavía hay una separación entre ensayo y performance. Me interesa mucho el espectador que atestigua el proceso, porque lo fabuloso de todo ello es que hay un descubrimiento intuitivo, un momento transformativo que también es extraordinario y es algo que no puedes registrar, no puedes recrearlo en un performance, todo pasa en el momento. Es lo que me atrae más ahora, el poder construir una obra conforme el público la va viviendo. Lo veo como un cuaderno de dibujo que voy desarrollando conforme construyo la obra. Durante ese proceso hay tantos momentos increíbles que no puedes registrar porque se pierden en el instante, y ahí es donde alcanzas esas revelaciones extraordinarias. No me interesa la conclusión, no creo que exista tal cosa en cualquier obra. Siempre quedan preguntas sin responder, y creo que eso es perfecto.
 

Otra cosa que está pasando con los ensayos es que en realmente se convierten en talleres. Los participantes pueden contribuir mucho al proceso; yo aporto la idea general, pero quiero que ellos proporcionen un punto de vista que en consecuencia vuelve más rica la obra. Tengo una idea muy vaga, pero estoy muy abierto a ideas nuevas y otras formas de pensar. Creo que eso ayuda a crear un mejor resultado. ¿Cómo involucramos a otros colaboradores? ¿Qué significa colaborar? Pienso que si trabajo con otras personas, se trata de una colaboración, a pesar de todo. Tengo que encontrar una forma de que trabajemos juntos.

 

En verdad construimos estas increíbles conexiones creativas. Si alguna vez necesito a alguien, van a estar disponibles. Y si alguna vez tienen proyectos que requieran personas, los puedo referir a ellos. Se trata de formar relaciones, crear conexiones y ayudarnos mutuamente. El mundo necesita toda la energía creativa que podamos producir.

 

 CR: Finalmente, ¿podrías contarnos un poco sobre tus próximos proyectos?

 

NC: Mis próximos proyectos están abiertos hasta el MASS MoCA, en el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts. Es una instalación masiva. Una parte también es una colaboración con organizaciones comunitarias, líderes comunitarios, cívicos, y realmente crear este laboratorio de ideas de redes sociales, este santuario para conversaciones muy complicadas que están sucediendo en el mundo. También estoy trabajando con artistas increíbles que harán una reacción a la instalación. Se trata de Brenda Wimberly, Helga Davis, Bill T. Jones; músicos, vocalistas, compañías de danza que también están participando en este programa, creando obras dentro de la instalación. Esta exhibición viajará al centro artístico Carriageworks en Sydney, Australia, que tiene unas instalaciones impresionantes, y luego volverá a Estados Unidos, al Museo Crystal Bridges.

 

También estoy preparando un nuevo proyecto en Armory, aquí en Nueva York, que se inaugura en 2018. Es una respuesta a las juntas de ayuntamiento que se están realizando en todo el país, pero las estoy convirtiendo en un Salón de Baile. Es una combinación de Salón de Baile-Junta de Ayuntamiento. Hubo un momento en mi vida donde el baile, y tener un lugar y un medio para trabajar con tus frustraciones, todo se conjugó en la pista de baile. Estará abierta 3 meses en estas enormes instalaciones llamadas Armory, donde estoy trabajando con todo un programa de DJs que operarán con una cortina que se moverá por todo el espacio, donde la gente podrá bailar.

 

 

Toda mi obra trata sobre crear plataformas para congregarse, un lugar al que ir donde mediante la conversación y el movimiento se pueda crear un diálogo más amplio. Tener un lugar donde se pueda trabajar con las frustraciones políticas, haciéndolo sin violencia, a través de actos de movimiento y emoción.

 

Los creativos son gente creativa, no tiene nada que ver con diferencias sociales, económicas, con el género o la raza. Se trata de este don interno y poder rodearte de gente extraordinaria. La idea de solo ser extraordinario… yo vengo de nada, querida, y soy extraordinario.

 

No tiene nada que ver con el entorno en que nacemos, sino con encontrar esta conexión interna y reconocer nuestros dones y bendiciones.

 ....

 

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